Великие гитаристы

АРМИК

Armik родился в Иране в семье выходцев из Армении, но его считают истинным гражданином мира. В 1980 году Армик был вынужден покинуть свою страну, так как "после революции музыка в Иране оказалась под запретом". "Это было главной причиной, - говорит он, - по которой я решил уехать. Поскольку я армянин и христианин, мне было очень трудно там оставаться".

Влечение к музыке и интерес к гитаре проявились у Армика уже в раннем возрасте, а к 12 годам он сложился как уже вполне профессиональный гитарист. Первоначальная музыкальная карьера Армика была связана главным образом с джазом. В 70-е годы он часто ездил в Испанию, где выступал вместе с разными гитаристами и осваивал их опыт и манеру игры. Здесь Армику открылась вся прелесть фламенко и он стал одним из наиболее страстных почитателей и пропагандистов этого направления. В одном из своих недавних выступлений музыкант признался, что почти всецело принадлежал джазу, пока не услышал в Мадриде игру гитариста фламенко Пако де Люсии.

С 1981 года Армик живет в Лос-Анджелесе. С ростом популярности ему все чаще и чаще задавали вопрос о том, когда же наконец появится его собственный альбом. Ответ последовал в 1994 году, когда Армик записал свой дебютный сольный альбом "Rain Dancer". Этот и последовавший за ним в 1995 году второй альбом "Gypsy Flame", сразу же получили восторженные отзывы у музыкальных критиков и принесли гитаристу первый серьезный коммерческий успех.

Вскоре репутация Армика как великолепного исполнителя музыки фламенко упрочилась настолько, что известный испанский мастер струнных инструментов Педро Мальдонадо взялся специально для него изготовить гитару, названную "Rubia". Именно на этой гитаре Армик записал свой следующий альбом, названный в ее честь "Rubia" (1996). Восхищение от гитары и искусства создавшего ее мастера были столь велики, что не только альбом, но и две вошедших в нее композиции получили их имена, "Rubia" и "Maldonado".

Сейчас в коллекции Армика несколько гитар этого мастера, а также гитары других известных испанских мастеров, например, Херманоса Конде, но предпочтение он отдает все же гитарам Мальдонадо. Впрочем, сам Армик считает, что "обладание самой лучшей гитарой в мире еще не означает, что вы станете величайшим исполнителем или что ваша музыка будет непременно прекрасна, а звуки чистыми. Безусловно, иметь хорошую гитару, очень важно. Но наипервейшее условие - наличие таланта; второе, без чего не обойтись, это знания и развитие способностей. В-третьих, играть нужно с сердцем, и последнее, но далеко не последнее по значению, у вас должен быть хороший композитор. Если все это есть, то тогда и хорошая гитара проявит себя и зазвучит по-настоящему хорошо, с той силой, которой она действительно достойна. "


В следующем году Армик подарил поклонникам свой четвертый альбом "Malaga", а в мае 1999 г. записал пятый - "Isla Del Sol" ("Остров солнца") с восхитительными мелодиями фламенко и тропическими карибскими ритмами.

Хотя написание и подготовка песен к "Isla Del Sol" потребовали нескольких месяцев напряженной работы, окончательную запись каждой композиции Армик осуществлял "в один прием". Каждой записи предшествовали многие часы подбора наилучшего звукового формата, результатом чего и стали ясность, чистота и великолепие звука, поражающие слушателя в его альбоме. Гитарист по праву гордится своим творением. По словам Армика, этот альбом воплотил в себе лучшие знания и опыт в написании и записи музыки, накопленные им в течение жизни.

Оценивая свой стиль игры на гитаре Армик говорит, что это соединение фламенко и джаза с латиноамериканскими ритмами. "Прежде чем я стал играть в стиле фламенко, я многие годы исполнял джаз, - говорит Армик. - Вот почему вы можете слышать в моих песнях отчетливые джазовые интонации.

Пако де Лусия
Paco de Lucía

Hастоящее имя: Франциско Санчес Гомес Родился: 12 декабря 1947 г. в Альхесирасе, Южная Андалусия, Испания Стили: фламенко, пост-боп, современное фламенко, world fusion 
Один из лучших гитаристов фламенко конца 20-го столетия, Пако де Люсия начал изучать гитару в двенадцатилетнем возрасте, и будучи 14-ти лет отроду выиграл первый приз в конкурсе исполнителей фламенко. В 1974 году он обрел национальную известность после выхода своего альбома "Entre Dos Aguas". Де Люсия был очень вдохновлен своей поездкой Бразилию и по возвращению начал серию инновационных разработок в гитарном стиле фламенко, основываясь на новых ритмах босса новы. Кроме того, что Де Люсия руководит собственным секстетом, у него долгое творческое партнерство с ведущим фламенко-вокалистом El Camaron de la Isla. Среди музыкантов, с которыми он сотрудничал можно выделить Чика Кориа (Chick Corea), Джона Маклафлина (John McLaughlin), Эла ДиМеолу (Al DiMeola) и, в 1989 году, тенора Плачидо Доминго (Placido Domingo). Альбом 1999 года "Luzia" провозгласил возвращение де Люсия к традиционному фламенко.


Пако де Люсия Летом 1986 года, впервые приземлившись в московском аэропорту, Пако де Лусия вышел к встречающим его московским гитаристам и официальным лицам в черной футболке, на которой белыми буквами было написано "flamenco". Да, герой настоящего рассказа - это гитарист фламенко. Но это слишком простое, "черно-белое" видение описываемого мастера. Пако - гитарист фламенко, который значительно перерос жанровые рамки, и, с некоторыми оговорками, может быть отнесен в своем нынешнем творчестве к стилю фьюжн. Особенно, если допустить такую параллель - как, к примеру, Джон Маклафлин соединил джаз-рок с индийскими мотивами, так и Пако де Лусия нашел синтез современной музыки с манерой игры фламенко и бразильскими ритмами. В то же самое время, Пако де Лусия по-прежнему расценивает традиции фламенко с должным уважением, в том числе уважительно отзывается об исполнителях puro flamenco (то есть "чистого", почти народного фламенко) - Сабикасе, Нинье Рикардо, Серранито и др. 

Хотя сам он делает для популяризации этого жанра гораздо больше, чем те, кто широко не выступал на мировой эстраде. В течении многих поколений гитаристы фламенко были прежде всего аккомпаниаторы для певцов или танцовщиц. В первые послевоенные годы Карлос Монтойя впервые в истории жанра начал выступать как гитарист фламенко с сольными выступлениями. Это было замечательное новаторство. Но Монтойя продолжал играть в привычной технике фламенко - например, при воспроизведении многочисленных хроматических пассажей, характерных для музыки этого направления, он широко использовал извлечение звуков левой рукой - легато. На высокой скорости такие пассажи становились невнятными.


Одно из новаторств Пако де Лусия заключалось в том, что он не пошел по пути наименьшего сопротивления и стал играть арпеджио и пассажи, извлекая практически каждый звук пальцами правой рукой. Это стало самым сильным моментом в его технике - отдельные звуки в пассажах "сыпятся" из гитары как сухой горох в пустую кастрюлю - звучат четко, не сливаясь даже на феноменально высокой скорости. Впоследствии в восьмидесятые годы Пако сотрудничал с американскими гитаристами в двух проектах "супергруппы". Это были необычные концерты, на которых он играл с Элом ДиМеола, Джоном Маклафлином и Лэрри Кориеллом. И вот тогда стало очевидно - Пако играет пальцами (с не очень длинными ногтями) так же четко и быстро, как и его коллеги-виртуозы, игравшие медиатором. То, что маленьким куском плекса нельзя сделать то, что можно сделать пальцами, было всем достаточно очевидно. А вот верно ли обратное - то, что правой рукой можно воспроизвеcти то, что играется медиатором, было всегда вопросом

 

Пако де Лусия умер на 67-м году жизни утром в среду, 26 февраля 2014 году в Мексике. Гитаристу стало плохо, когда он играл со своими детьми на пляже мексиканского города Канкун. Пако де Лусия умер по пути в больницу...

  Al di Meola

Родился: 22 июля, 1954, Джерси-Сити, штат Нью-Джерси, США ( Jersey City, NJ)
Жанр: Джаз
Стиль: Джаз-рок, Фьюжн (Jazz-Rock, Fusion, World Fusion)
Инструменты: Акустическая гитара, электрогитара
Фирмы звукозаписи: Columbia (7), One Way (5), Tomato (2), Telarc (2), Sony (2)


Эл Ди Меола сделал двойную карьеру: яркого, зажигательного фьюжн электро-гитариста и несравненного мастера акустической гитары, страстно стремящегося исследовать музыку мировых культурных традиций. Его искрометные, филигранные гитарные пассажи в фьюжн - группе Чика Кориа 'Return to Forever' стали звуковой визитной карточкой электронного джаза 70-х годов.

Эл ДиМеола родился в Нью-Джерси в 1954 году и начал играть на гитаре восьми лет отроду, беря уроки у местного джазового гитариста Боба Эслэниана (Bob Aslanian). Его отроческие интересы простирались от итальянской классической музыки, которую он слышал дома, до джаза и фламенко. Расширение своих эстетических пристрастий до музыки различных мировых культур он приписывал Ларри Кориеллу (Larry Coryell).

С 1971 года Ди Меола учится в музыкальном колледже Беркли, но скоро оставляет учебу, чтобы играть с Барри Майлсом, а в 1974 году, внезапно появляется на сцене, заменив Билли Коннорса в составе 'Return to Forever' Чика Кориа. Так началось их двухлетнее сотрудничество, которое сделало ДиМеолу известным, и в результате которого появились три воистину бессмертных альбома: 'Where Have I Known You Before', 'No Mystery' и 'Romantic Warrior'.

По сути, он начал движение наверх без всякого промедления, сразу став влиятельным фьюжн-гитаристом. Его иногда критиковали за излишнее увлечение техникой исполнения, без выказывания эмоций и чувств в игре, но это упущение он вскоре преодолел и с годами успешно развивался. Когда группа распалась, гитарист начал заниматься собственными проектами, экспериментируя с Fairlight Computer и Synclavier.

В 1982-83 г.г. он объединился с Джоном Маклафлином и Пако Де Люсия в акустическое трио, играющее в духе фламенко, для записи 2-х альбомов и нескольких турне. Другой трио-проект представлял Филиппе Сайссе (Philippe Saisse) (маримба) и Энди Нареля (Andy Narel) (барабаны). В 1985 году вышел альбом 'Cielo E Terra' с перкуссионистом Аирто Морейра (Airto Moreira), получивший высокие награды.

ДиМеола гастролировал с проектом 'Тhe Rite of Strings' в 1995 году (трио с Жаном Люком Понти и Стэнли Кларком), записывался как лидер с 1976 года на студиях Columbia, Manhattan и Tomato.

Рекомендуемые альбомы: Land Of The Midnight Sun (Columbia, 1976); с Return To Forever 'Romantic Warrior' (Columbia, 1976).

Tommy Emmanuel

Томми Эмманюэль родился в Австралии в 1956 году. Он начал играть на гитаре в 4 года самоучкой, не имея никакого специального образования. Томми так никогда и не получил академического музыкального образования, он - яркий образец того, что есть люди, которым Бог дал все что необходимо уже при рождении, а вся их остальная жизнь – это всего лишь реализация того, что им было дано природой. В 1960 году, старший брат Томми – 7-летний Фил создал группу, гордо назвав её «The Emmanuel Quartet». В группу Фил взял и четырехлетнего Томми. Прорепетировав несколько месяцев, мальчишки начали публичные выступления, и с тех пор братья Эмманюэли так и не останавливаются работать на сцене всю свою жизнь. В 1966 году, после смерти отца, желая помочь семье, 12-летний Томми начал преподавать гитару, и был уважаем наравне с другими взрослыми преподавателями, ибо уже тогда в нем были видны его экстраординарные музыкальные способности.

В 11 лет, будучи уже опытными музыкантами-исполнителями, Томми привлекает в группу младшего брата Криса, играющего на ударных, и сестру Виржинию, которая играет на слайд гитаре. Новую группу они называют «The Trailblazers» и начинают интенсивно гастролировать. Через год после создания группы Томми выигрывает телевизионный конкурс молодых талантов и записывает свою первую пластинку. С тех пор Томми сделал свыше 2000 записей, выпустил 16 сольных альбомов и участвовал в записях едва ли не всех звезд мировой сцены. В своих работах, Томми, кроме гитары, играет на банджо, мандолине, ударных и перкуссивных инструментах, фортепиано, поет, аранжирует и выступает в качестве композитора.

Приехав впервые в Штаты, Томми первым делом поехал в Нэшвилл, к своему кумиру Чету Аткинсу, которого боготворил и копировал. Его дружба с Четом продолжалась около 20 лет (до самой смерти Чета). В 1998 году, после многих лет дружбы, они записали совместный альбом, который я не устаю слушать и поражаться. К концу своей жизни Чет Аткинс не раз говорил, что теперь уже он учится у Томми и считает его лучшим гитаристом из ныне живущих.

Vicente Amigo

Vicente Amigo испанский гитарист, один из талантливейших гитаристов-фламенко нового поколения – "гитарист-фламенко 21 века", которого уже окрестили "Новым Пако" – "естественным продолжением Пако де Люсии". Висенте Амиго родился в 1967 году в небольшой деревушке Гвадалканал, в испанской провинции Севилья, но детские годы провел в Кордобе, где и получил первые уроки игры на гитаре. В возрасте 8 лет он безгранично влюбился в звуки гитары, и с тех пор она стала его судьбой.
Среди учителей Висенте было несколько легендарных исполнителей, в том числе Хуан Муньос и Меренге де Кордоба, затем ему покровительствовал Пако Пека. Благодаря замечательным музыкальным способностям Висенте очень скоро достиг уровня профессионального исполнителя: некоторое время он учился у Маноло Санлукара и на протяжении 6 лет играл на гитаре в его ансамбле, а затем работал с легендарным Камароном де ла Исла.
В 1989 году Висенте Амиго начал сольную карьеру. Его восхождение к мировой известности началось с нескольких побед на крупнейших музыкальных состязаниях исполнителей фламенко. Сначала он завоевал 1-й приз на престижном национальном фестивале Festival Nacional del Cante de las Minas de la Union (1988), и в том же году выиграл конкурс Extremadura. После победы в мае 1989 года на конкурсе им. Рамона Монтойи и завоевании 1-го приза на XII национальном конкурсе искусства фламенко в Кордобе Висенте Амиго сразу же вошел в современную гитарную элиту фламенко. В 1993 году он был признан лучшим гитаристом фламенко журналом "Guitar Player" и дважды подряд (в 1998 и 1999 гг.) стал обладателем очень значительной музыкальной премии – Premios De La Musica – испанских обществ авторов и исполнителей (SGAE-AIE), которую еще называют испанским эквивалентом Грэмми.

Висенте Амиго – яркая творческая индивидуальность, это музыкант глубоко чувствующий музыку фламенко, способный к восприятию как ее современных, так и традиционных форм. Кроме того, через постижение богатства и разнообразия фламенко, ему открылся доступ к музыке любого направления и стиля. Сам музыкант полагает, что для понимания фламенко нужна достаточно высокая степень зрелости: с хорошей техникой на гитаре может сыграть и ребенок, но для проникновения в сущность фламенко нужна зрелость взрослого человека.

В 1991 году в Севилье на Международном фестивале "Легенды гитары" Висенте Амиго выступал на одной сцене с Пако де Люсией. В фестивале тогда участвовали также Боб Дилан, Кит Ричардс, Фил Манзанера, Джо Кокер, Джек Брюс и Ричард Томпсон. В том же году Амиго записал свой дебютный сольный альбом De Mi Corazon Al Aire, который сразу же привлек к себе внимание и был отмечен несколькими наградами, в 1995 году вышел второй – Vivencias Imaginadas, а еще через два года, третий – Poeta (1997).

Четвертый сольный альбом Висенте Амиго в 2001 году стал обладателем премии Латин-Грэмми в номинации " лучший альбом фламенко" и стал первым из дисков Амиго, выпущенных в США. Альбом носит название Ciudad de las Ideas (Город идей), почерпнутое музыкантом из стихотворения греческого поэта Константиноса Кавафиса (1863-1933), творчеством которого Амиго увлекся в самом начале работы над записью своего альбома. Наибольшее впечатление произвело на него стихотворение "Первый шаг". Это рассказ-беседа двух поэтов – юноши и старца. Молодой поэт объявляет, что создал шедевр, равного которому уже никто никогда не напишет. Но мудрый старик охлаждает пыл своего собеседника, отвечая, что тому предстоит еще многому научиться в жизни и не стоит спешить с оценками и похваляться вещами, которые со временем могут показаться никчемными даже ему самому. В конечном счете юноша убеждается в правоте и мудрости слов старого поэта и благодарит его за науку. В "Городе идей", рассказывает Висенте Амиго, я подобно этому молодому поэту, открываю самому себе все новый и новый жизненный опыт и обогащаюсь новыми впечатлениями. И в каждой своей песней я как бы говорю жизни "спасибо" за все эти бесценные обретения. Альбом посвящен Андалузии и включает замечательные пьесы, в которых мелодия, слова и чувства сливаются в единый естественный поток: такова, в частности, булерия Ojos de la Alhambra (Глаза Альгамбры), исполненная известным алжирским певцом Халедом. "Для меня это волшебное место, – говорит Висенте Амиго об Альгамбре, – место, где я могу представить себе глаза города, наблюдающие за тем, как я сочиняю в его честь свою песню".

В течение последнего десятилетия Амиго выступал в самых разных частях мира: от Дальнего Востока до Кубы, и от Марокко и Туниса до Южной Америки. На сегодняшний день он является одним из самых популярных гитаристов фламенко. Помимо сольной деятельности Висенте Амиго аккомпанирует многим вокалистам, включая Эль Пеле и Луиса де Кордоба, и различным испанским танцорам.

"Музыка играет очень важную роль в современном мире и это так прекрасно осознавать себя причастным к той радости, которую она дарит людям, – говорит Висенте Амиго, – Когда люди слушают мою игру, они знают, что она исходит из моего сердца, что мои чувства искренни и правдивы..

ЭРИК КЛЭПТОН 

Эрик Патрик Клэп, известный как Клэптон, родился 30 марта 1945 года в Рипли, графство Суррей. Эрик учился в Кингстонском художественном колледже, но был исключен за неуспеваемость. Виной тому были пластинки с записями Чака Берри, Мадди Уотерса, Роберта Джонсона, Билла Брунзи, Скипа Джеймса, которые Эрик слушал все свободное время, осваивая технику игры выдающихся американских блюзовых гитаристов.
Гитару взял в руки впервые в 14 лет, то был подарок бабушки и дедушки. Благодаря изучению классиков блюза, а также в результате усиленной работы над собой и над гитарой Клэптон всего за два года сумел достичь значительного мастерства без посторонней помощи и стал играть в местной группе.
В марте 1962 года в лондонском районе Илинг открылся клуб любителей ритм-энд-блюза. Клэптон становится одним из его завсегдатаев. Как вокалист он нередко подменял Мика Джеггера в ансамбле «Alexis Korner's Blues In corporated».
Карьеру профессионального гитариста начал в 1963 году в группе «The Roosters», куда его пригласил Торн Макгиннес. Через полгода оба перешли в «Casey Jones and The Engineers». Однако спустя всего две недели, в октябре 1963 года Клэптон сменил в ансамбле «The Yardbirds» соло-гитариста Тони Топэма. «The Yardbirds» выступали в ричмондском клубе «Crawdaddy», где до них основной группой был «Rolling Stones».
То была пора признания. «The Yardbirds» вскоре начал составлять конкуренцию самим «Битлз». Гитарные соло Эрика уже в то время приводили всех в восторг, но в 1965 году он покинул группу.
Расставшись с ансамблем, в котором играл 14 месяцев, Клэптон на время покинул сцену и поступил рабочим на стройку. Однако вскоре ему позвонил Джон Мэйелл и пригласил в свою группу «The Bluesbreakers». В биографии Эрика Клэптона это был переломный момент. С «The Bluesbreakers» он выступал с апреля по август 1965 года и, после поездки на три месяца в Грецию, с ноября по июль следующего года.
С Клэптоном в качестве гитариста и вокалиста группа приобрела невероятную популярность. Его мелодичные, плавные и душевные импровизации оказывали колоссальное эмоциональное воздействие.
Блестящие сольные партии в инструментальных композициях «Steppin Out» и Джона Мэйелла принесли ему славу лучшего блюзового гитариста страны. На концертах публика не уставала кричать: «Пусть Бог сыграет соло!»
Шестой состав «The Bluesbreakers», куда входил Клэптон, выпустил только один альбом — «Blues Breakers John Mayall with Eric Clapton» (1966), но он сразу попал в первую десятку национального хит-парада и навсегда останется в числе красивейших блюзовых дисков, когда-либо записанных белыми исполнителями. Играя в «The Bluesbreakers», Клэптон находил время и для сотрудничества с другими музыкантами. С Джимми Пейджем он сделал серию записей, позднее включенных в антологии британского блюза, а с Джеком Брюсом и Стивом Уинвудом записал демонстрационный диск.
В ходе этой работы у Клэптона родилась идея попробовать себя в синтезе блюза и рока. В июле 1966 года Клэптон создает группу «Cream», куда вошли Джек Брюс и Джинджер Бейкер.
Музыканты намеревались играть в небольших клубах и кафе, но дебютное выступление на Виндзорском фестивале джаза и блюза в 1966 году вызвало у публики такой восторг, что каждый невольно начал импровизировать, демонстрируя максимум своих возможностей. Этот стиль и стал традиционным для группы.
Участники группы и не предполагали, что их творчество произведет настоящую революцию в музыке, дав жизнь тысячам новых музыкальных течений. Характерный «кримовский» саунд прослушивался уже с первого альбома группы — стандартный блюз с элементами джаза и психоделики был сыгран с такой мощью и эмоциональным накалом, что сравниться мог разве что только с творчеством Джимми Хендрикса. Все трое участников группы создавали песни прямо во время исполнения.
Во время концертов партнеры Клэптона намеренно на ходу изменяли ритмическую структуру песен, вынуждая его отчаянно импровизировать. Музыканты, предпочитая студийной работе живые концерты, тем не менее в 1968 году выпустили двойной альбом «Wheels Of Fire», который стал самым первым альбомом в истории музыки, по уровню продаж получившим «платиновый статус».
В целом же к концу 1968 года общий тираж пластинок ансамбля составил 15 миллионов экземпляров. Трио прекратило карьеру по инициативе Эрика Клэптона, уставшего от бесконечных гастролей, от исполнения изо дня в день одних и тех же композиций. Искусство в таких условиях грозило превратиться в ремесло, в механически выполняемую работу. На одном из концертов он намеренно отключил свою гитару посреди песни, чтобы проверить, заметят ли это Бейкер и Брюс. Они не заметили и как ни в чем не бывало, доиграли композицию вдвоем. Терпение Клэптона лопнуло, когда в журнале «Rolling Stone» его назвали «мастером клише». Еще работая в «Cream» Клэптон начал участвовать в творчестве других рок-звезд. Особенно тесные контакты установились у него с Джорджем Харрисоном и Джоном Ленноном из «Битлз».
Он исполнил сложнейшую партию соло в песне Харрисона «While My Guitar Gently Weeps», после чего подарил свою новую гитару автору.
В начале 1969 года Эрик Клэптон основал новую супергруппу «Blind Faith». В июне состоялся дебют в лондонском Гайд-парке, где присутствовало более ста тысяч человек. Единственный альбом, «Blind Faith» (1969), возглавил таблицы популярности по обе стороны Атлантики. Самой удачной критики признали композицию Клэптона «Presence Of The Lord». Осенью квартет отправился в продолжительную гастрольную поездку по США. Вскоре после начала турне суперквартет «Blind Faith» распался, и Эрик Клэптон решил выступать с «Delany and Bonny». «Они играли музыку для души», - позднее объяснил он свой шаг. Проехав с концертами по гастрольному маршруту, намеченному для «Blind Faith», коллектив после небольшого перерыва совершил европейское турне.
Затем Клэптон решил заняться сольным творчеством. Он записал первую сольную пластинку, назвав ее «Eric Clapton», песни на ней звучали вяло и неуверенно.
Однако Клэптон не сдавался, ему удалось записать в 1970 году великолепный альбом «Layla And Other Assorted Love Songs». Заглавная композиция этого альбома - «Layla» - посвящена жене Джорджа Харрисона - Пэтти Бойд. Эрик был влюблен в нее на протяжении многих лет, и в 1979 году она все-таки вышла за него замуж. Песня завоевала огромную популярность. Она и по сей день фигурирует в списке лучших произведений рок-музыки всех времен. Тираж альбома в США составил 1 миллион 265 тысяч экземпляров, хотя критика признала его в целом неудачным, высоко оценив только песню «Layla».
В 1971–1972 годах Клэптон жил в полном уединении у себя дома в Рипли. За этот период он только трижды выходил на сцену. Альбом с записью его выступления в зале «Rainbow» (1973) свидетельствовал о том, что Клэптон отнюдь не в лучшей форме. Так оно и было - Клэптон проходил курс лечения от наркомании. Лишь в конце 1973 года Эрик ощутил в себе достаточно сил, чтобы начать подготовку материала для нового студийного альбома.
Летом 1974 года он сообщил своему менеджеру Роберту Стигвуду, что готов к работе, и через несколько дней вылетел в Майами. В название диска он вынес адрес дома, в котором остановился: «461 Ocean Boulevard». Пластинка состояла из десяти композиций, выдержанных в новом для Клэптона стиле кантри-энд-блюз, в дальнейшем ставшем типичным для музыканта. 17 августа альбом возглавил американскую таблицу популярности, а 14 сентября одна из его песен, «I Shot The Sheriff», заняла первое место в США и вошла в десятку лучших в Англии.
Его собственный альбом 1977 года - «Slowhand» - обнаруживает растущую увлеченность Клэптона музыкой кантри, и особенно творчеством певца и гитариста Дона Уильямса, чьи песни составляют основу пластинки. В американский хит-парад, однако, вошли оригинальные композиции Клэптона «Wonderful Tonight» и «Lay Down Sally».
В 1980 году он дал серию концертов в пригороде японской столицы Будокане Исполненные там песни представлены на альбоме «Just One Night». Весной 1987 года в двадцатку лучших попал в США очередной диск Эрика «August» (1986). Включенные в него композиции музыкант чуть раньше, в январе, с большим успехом сыграл и спел на концерте в лондонском зале Альберт-холл. Не менее активно работал он и в дальнейшем. Особенно удачным оказалось его сотрудничество с ансамблями «Dire Straits», «The Robert Cray Band». В 1988 году вышел альбом-сборник «Cross Roads» — ретроспекция двадцатипятилетней творческой деятельности Эрика Клэптона.
Еще через год появился замечательный альбом «Journeyman», не только принесший ему еще большую популярность, но и вернувший уважение критиков. В этом отношении показательными стали концерты Клэптона в знаменитом лондонском Альберт-холле. Желающих его послушать оказалось так много, что пришлось отыграть 24 вечера подряд!
В 1992 году вышел акустический альбом «Unplugged», который прозвучал настолько свежо и интересно, что это позволило вспомнить о тех временах, когда Эрику вообще не было равных по уровню игры на гитаре. В альбом помимо старых вещей вошло несколько новых песен, включая композицию «Tears In Heaven», посвященную трагически погибшему сыну друга. Пластинка получила в 1993 году 6 наград «Грэмми», установив тем самым своеобразный рекорд, а продажи альбома превысили 14 миллионов экземпляров.
В 1994 году Клэптон повторил успех предыдущего альбома, выпустив пластинку «From The Cradle». Программа, состоящая из шестнадцати старых классических блюзовых композиций, продемонстрировала не только невероятное мастерство Эрика как гитариста, но и тонкое понимание им стилистики блюза.
В 1996-м он записал сингл «Change The World», сразу же попавший на вершины хит-парадов. Альбомы музыканта - «Pilgrim» и новый сборник всех хитов «Clapton Chronicles: The Best Of Eric Clapton».
Клэптон - живая легенда мировой поп-музыки. О значительности этой фигуры в мире современной музыки говорит и тот факт, что Эрик Клэптон стал первым артистом, чье имя занесено в Зал славы рок-н-ролла три раза.

АНДРЕС СЕГОВИЯ

Андрес Сеговия родился 21 февраля 1896 года в Линаресе. Через несколько дней после его рождения семья переехала в городок Хаене, близ Кордовы (Андалузия).
«Однажды в наш дом пришел гитарист фламенко, - вспоминает Сеговия. - Когда он начал играть красивые народные мелодии, я был захвачен.
„Хочешь научиться играть на гитаре?“ - спросил он. Я кивнул в знак согласия».
Полтора месяца гитарист прожил рядом с Андресито. За это время мальчик научился играть на гитаре. Когда Андресито было шесть лет, он вместе с дядей и тетей переехал в Гранаду.
В 1910 году в «Артистическом центре» Гранады состоялся первый публичный концерт Андреса. Его организовали друзья молодого гитариста.
В своей «Автобиографии» Сеговия рассказывает: «Первый в моей жизни концерт. Какое волнение! У меня тряслись поджилки при мысли появиться на публике. Однако одна встреча помогла забыть о страхе. По дороге на сцену (гитару нес мой друг) ко мне подошел старый флейтист:
- Вы знакомы с гитаристом, который будет сейчас играть?
Я улыбнулся и сказал:
- Хорошо знаком: мы близкие друзья.
- Он талантлив?
- Вовсе нет. Сейчас вы сами услышите.
Он был удивлен моей недоброй характеристикой близкого друга и спросил:
- Вы завидуете ему? - И с неприязнью отвернувшись от меня, он вошел в зал.
Но после концерта флейтист пришел обнять меня и сказал:
- Действительно, ваш друг заслуживает одновременно и мои поздравления и вашу зависть».
Юный музыкант отправился в концертное турне по Испании. Он с успехом выступал во многих залах Барселоны. Но мечтал выступить в крупнейшем зале столицы Каталонии - Палау. Наконец, 12 марта 1916 года состоялся концерт Сеговии во Дворце каталонской камерной музыки.
«Мне трудно описать, - вспоминает он, - высмеивания и осуждения, вызванные сообщениями о моем концерте в Палау. Одни считали, что самоуверенность свела меня с ума, другие радовались при мысли о приближении моего провала в огромном зале».
Сеговия понимал, что от концерта в Палау будет зависеть многое и в его карьере, и в судьбе инструмента.
«Слушатели были поражены и захвачены красотой звучания гитары, - пишет М.А. Вайсборд. - В зале царила та тишина, которую впоследствии назовут „сеговиевской“ и которая была своеобразным „усилителем“ гитары. Это было чудом, сотворенным волшебными руками. Это была победа нового мышления. Это была победа художника, который смело шел навстречу трудностям. Чувства барселонцов кратко и емко выразил известный писатель Эухенио д'Орс в автографе на подаренной книге „La buen Plantada“: „Волшебнику Сеговии“.
С каждым концертом имя Сеговии становилось все более популярным во всей Испании. Конечно, далеко не сразу местные руководители открывали гитаре двери концертных залов. И все же отношение к гитаре - солирующему инструменту - заметно менялось. Значительным шагом в этом направлении стали концерты Андреса в огромном зале мадридского театра „La Comedia“ и три концерта в Гранаде во Дворце Альгамбры в июне 1917 года».
Успешными были и две гастрольные поездки в Южную Америку в 1919 и 1921 годах. «Пионером гитары» назвал Сеговию журнал «El Hogar» после выступления в Буэнос-Айресе.
Концерты Сеговии в 1924 году в Германии, Австрии и Франции снискали ему славу первоклассного виртуоза.
«В апреле 1924 года, - вспоминает Сеговия, - я приехал в столицу Франции. Париж меня очаровал. Больше времени я проводил в созерцании города, чем в занятиях. Без конца бродил по улицам, площадям, паркам, знакомился с музеями, памятниками архитектуры, церквями. Обошел выставки. Посещал концерты. Наслаждался игрой красок вечернего Парижа в Люксембургском парке или в кафе на Елисейских полях».
Французская пресса широко комментировала выступления Сеговии. Вот отклик известного музыковеда Марка Пеншерля: «Слишком много музыки. Но лишь для одной ее небольшой части следовало бы сделать исключение. Я имею в виду простую гитару, которая часами держит во власти своего очарования самых искушенных музыкантов. В консерватории, в „La Revue Musical“, в аудиториях, в которых можно было встретить и самых крупных представителей современной музыки, Андрес Сеговия, чье имя несколькими неделями ранее нам было едва знакомо, вызывал восхищение. Подобный прием оказали в свое время здесь и Мигелю Льобету, такому необычному для тех, кто привык к пошлости и банальноcти исполнителей серенад. Потом приезжали другие. Но никто не сумел так, как Сеговия, обновить и обогатить впечатления, вызванные Льобетом».
Отмечая безупречность игры Сеговии, богатство красочной палитры его гитары, критик подчеркивал, что достигнутый им технический уровень «ранее мы назвали бы невозможным» и что гитарист «превосходит своих предшественников тем, что все эти качества подчинены у него поразительному чувству стиля».
Такой же восторженный прием ожидал Сеговию и в Англии в 1925 году.
После концертов в Берлине в 1926 году журнал «Die Gitarre» писал: «Андрес Сеговия - исполнитель высочайшего ранга, которого следует поставить в одном ряду с Крейслером или Шнабелем». Еще через год тот же журнал констатировал: «Выступление Андреса Сеговии в концертном зале - событие огромного значения».
С первого же выступления Сеговия очаровал и датскую публику. Газета «Politiken» писала: «Молодой испанец - это действительно явление, соответствующее тому, что о нем говорят. Мы никогда не слышали артиста, сравнимого с ним. Невероятная виртуозность. Огромный вкус, свидетельствующий о высокой музыкальной культуре, Сеговия превратил гитару в инструмент, который раскрывает глубины исполняемых сочинений в большей степени, чем это можно было предположить».
В 1928 году Сеговия впервые выступил в Нью-Йорке: «Вчера днем на сцену Town Hall вышел полноватый молодой человек, сел близко к ее краю, поставил ногу на маленькую деревянную скамеечку и очаровал переполненный зал. Это был один из самых необычных и захватывающих концертов, которые когда-либо происходили в этом зале Нью-Йорка. Сеговия сделал гитару инструментом, о котором говорят на одном дыхании с клавесином Ландовской, виолончелью Казальса, скрипкой Хейфеца и фортепиано Гизекинга».
Дав пять концертов в Нью-Йорке, Сеговия выступил и в других городах США.
В 1929 году состоялись выступления Сеговии в Японии. Местный критик Такахаси после концертов в Токио и Кобе писал: «Сеговия не принадлежит к исполнителям, стремящимся продемонстрировать публике свою технику. Это - вдохновенный музыкант… Слушая Сеговию, я впервые понял справедливость слов Бетховена о том, что гитара, в сущности, - это оркестр. Мир, создаваемый Сеговией, - прекрасный мир поэзии и легенд».
В конце февраля 1926 года гитарист побывал в Москве. Его первый концерт, состоявшийся 2 марта в Малом зале Московской консерватории, вызвал громадный интерес не только у гитаристов, но и у широкой публики и у музыкантов других специальностей.
Вот что писал о Сеговии известный музыкальный критик Б.В. Асафьев: «Культура игры на гитаре в Испании давняя, старинная, и корни ее уходят в далекое романтическое прошлое. Представитель этой культуры - Сеговия - прежде всего серьезный и строгий музыкант. Его исполнение никак нельзя упрекнуть в дешевом щегольстве и виртуозничестве дурного тона. Слушать его - своеобразное наслаждение: благородство звука, ритм, интенсивнейшая сдержанность исполнения, исключительная четкость и чистота интонаций (флажолеты просто изумляют!), безупречность вкуса, утонченное, не показное мастерство и, конечно, сказочное богатство динамических и колористических оттенков - вот что особенно и главным образом привлекает в феерической игре Сеговии, в игре столь необычной у нас, где искусство это так опошлилось. Сеговия ни на один момент не упускает из виду пластики формы: он красиво и последовательно подчеркивает конструктивные детали, блестяще расцвечивает основную мелодическую линию пышными узорами или развивает ее хрупким, как утонченная резьба, орнаментом. А за всеми этими качествами виртуоза пламенится глубокое чувство, согревающее звук (золотистый, сочный и нежный, но не изнеженный) и жизненно его ритмующее. Среди исполненных сочинений не было неудачно сыгранных. Интересно прозвучали скомпонованная из разных сочинений Баха сюита, пьесы Сора, знаменитого в свое время виртуоза на гитаре, и ряд испанских танцев, среди которых мне особенно понравилось фанданго современного испанского талантливого композитора Турины».
Сеговия приезжал в нашу страну несколько раз и всегда вызывал восхищение своим мастерством.
«Исполнение Сеговии было лишено аффектации, - пишет Б.Л. Вольман. - Он не форсировал звука, достигая больших динамических нарастаний за счет умелого применения градаций звучности, исходя из тончайшего пианиссимо. Стиль его игры можно назвать академическим в самом положительном смысле. Техника у Сеговии отступала на задний план, способствуя выявлению музыкального содержания произведено. Игра его поражала художественной тонкостью отделки „Вот у кого нужно учиться фразировать!“ - заметил по поводу исполнения Сеговии профессор Ленинградской консерватории пианист Л.В. Николаев. Чистота его игры была безупречна. С легкостью он преодолевал любые технические трудности. Флажолеты, глиссандо, выразительное вибрато, разнообразие стаккато и легато - всем этим Сеговия владел в совершенстве».
Своей последующей деятельностью Сеговия более, чем кто-либо из гитаристов, до него выступавших на концертной эстраде, подтвердил художественную значимость гитары. Избрав постоянным местом жительства Уругвай, Сеговия разъезжал с концертами по всем странам, повсюду вызывая восхищение своей игрой на гитаре. Его стали расценивать уже не как гитариста, удивлявшего слушателей мастерством исполнения на необычном для эстрады инструменте, а как одного из крупнейших музыкантов современности.
Он объездил множество стран, выступая чуть не ежедневно, а в крупных городах США иногда и по 3–4 раза в день. Если на карте мира точками отметить города, где выступал Сеговия, то эти точки густо покроют всю Европу, протянутся вдоль Северной и Южной Америки, соединят север Африки с Малой и Юго-Восточной Азией и с Австралией. Но главное, конечно, не в количестве городов и стран, а в том, что его искусство затронуло сердца миллионов слушателей.
«Чудо, имя которому Сеговия» - так назвал свою статью американский журнал «Guitar Review» в 1947 году. «Мастер-волшебник» - так оценил искусство Сеговии рецензент, нью-йоркской газеты «Times» в 1959 году. А вот свидетельство о завоевании еще одного континента: «Сеговия очаровал Мельбурн» - так озаглавил одну из статей, посвященных гастролям Сеговии в Австралии, журнал «Music and Musicians» (1961).
В связи с постоянными разъездами Сеговия не мог уделять много времени педагогической деятельности. Но его класс гитаристов-исполнителей в Академии Киджи в итальянском городе Сьене приобрел международную известность и популярность. Среди учеников Сеговии: Джон Вильямc и Джулиан Брим из Англии, Хосе Томас из Испании, Гильермо Фиеренс из Бельгии, Хесус Сильва из Мексики, Оскар Гильи из Италии, Йован Йовичич из Югославии, Алирио Диас из Венесуэлы, Кристофер Паркенинг из США, Хосе Рей де ла Торре с Кубы, Карлос Барбоса Лима из Бразилии.
Поразительно, но свой артистический магнетизм Сеговия сохранил и после 80 лет. Характеризуя игру 82-летнего артиста в трехтысячном «The Festival Hall» в Лондоне, композитор Джон Дуарте не смог скрыть своего восторга: «Я не могу припомнить другого случая, когда такое огромное число людей с затаенным дыханием внимали волшебным звукам музыки».
Незадолго до своего девяностолетия, 28 апреля 1982 года, Андреc Сеговия, собираясь на гастроли в Японии, писал М.А. Вайсборду: «Более шести месяцев в году я нахожусь вне дома: концертирую в разных странах, встречаюсь со слушателями, принимаю старых друзей, посещаю приемы и выкраиваю четыре или пять священных часов для ежедневных занятий». Действительно, трудно найти другого артиста, который бы так долго сохранял творческое долголетие.
Умер Сеговия в 1987 году.

Страницы:  1  2